Archivo de la categoría: arte urbano

Banksy

Banksy es el pseudónimo de un popular artísta del graffiti inglés. Nacido en Yate, localidad cercana a Bristol en 1974, aunque los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Su trabajo, en su gran mayoría piezas sátiras sobre política, cultura pop y moralidad, combina escritura con graffiti con estarcidos con plantilla. Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.

En su sitio Web, se pueden ver sus obras más representativas y emn Internet hay mucha mas información.

Convierte tu computadora Apple – Macintosh en una obra de arte

¿Una obra de arte? ¿Cómo?

Si eres coleccionista de equipo de computo y ya no sabes que  hacer con él. Si la emotividad de aquellos años de trabajo con tu primera Mac, te impiden lanzarla por la ventana (la bote de basura). Hay una excelente solución:

«The Classic Mac Art Of Satta van Daal»

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Satta van Daal es un artista callejero aleman viviendo en Melbourne, Australia. Cuando no esta haciendo stencil o  estampando, trabaja en su nuevo proyecto llamado iPaint myMac.

Mac Plus pintada con el clasico icono de inicio  «Happy Mac»

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Apple LC II stencil con la iconica imagen de Steve Wozniak + Steve Jobs trabajando en su primera versión de Apple computer en 1976.

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Notas relacionadas:

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Doo Rags

En papel continuo presentan una simpática galeria de ingenios electrónicos sonoros llamados Doo Rags, investigando el término encontré una definición mas o menos aproximada:

La Definición (Urban Dictionary):

Doo Rag – A silk-like material worn around the head of black males as a fashion statement. It wraps around the skull, with a small flap hanging down in the rear, over the neck.
Doo Rags originated in prisons in the 1970’s, to try and simulate the long hair of a (male)female inmate, so the (male) males, could easily tell them apart. It was originally black, but many colors are in use today.

Now banned in most prisons of today,
Doo Rags have moved into main stream black fashion, and the use no longer signifies any sexual connotations. Court cases in New York City have supported the use of Doo rags at work, when employers complained that it was not «appropriate». Black men have even been seen in a business suit, coming from work, wearing a doo rag. Bald Black men (with no braids) also wear doo rags. A doo rag, under a baseball cap, it also gaining popularity.

The word derivation is «Hairdoo rag»

Estos pequeños ingenios electrónicos sonoros llamados Doo Rags son fabricados e ideados por Olaf Ladousse, a decir del nombre es en honor al grupo del mismo nombre que según se cuenta se fabricaba sus propios instrumentos.

Olaf recicla, todo tipo de objetos: juguetes electrónicos de todo tipo, latas, secadoras de cabello, conos de carretera o bidones de agua. El resultado son unos aparatos entre pop, sci-fi y retro, con los que consigue sonidos usando el máximo los recursos para darles vida en una infinita cantidad de sonidos y formas.

¿Te gustarón? ¿Quiéres ver más?

¡Construye el tuyo!

Acá el manual oficial

99 Grupos Flickr para Inspirar el Diseño

Diseñadores Web y Gráficos estamos casi siempre en busca nuevas fuentes de inspiración. A veces las vistas a museos, obras de teatro, cine o tan solo pasar el rato mirando libros en la biblioteca resultan en una carga de baterias para llevar hasta nuestro estudio de trabajo.

Dentro de esas fuentes también usamos Internet. Y debido que buscar en google images solo debe usarse para ejemplificar lo que no se debe hacer, tenemos para lo que sí, una enorme cantidad de recursos en Flickr. Con millones de fotos, grupos, etiquetas y gran calidad de trabajos, son la galeria perfecta a nuestra disposición desde nuestra computadora a cualquier hora.

En Vandelay Design han hecho una recopilación de 99 Grupos para Inspirar al Diseñador que llevamos dentro.

Candy Magazine | Vol 2 Issue 1

CandyCollective y CANDY Magazine son empresas independientes especializadas en el Showcase. Que con creatividad excepcional, incursionan en el diseño y el arte con formatos innovadores y proyectos únicos a través de la Internet.

Ahora vuelven con otro número de Candy Magazine el cual pueden descargar gratuitamente. Además esta disponibles los números anteriores, totalmente recomendables para todo aquel que una tarde se sienta abandonado por la musa creativa, despierta el apetito creativo aquí.

Galeria Fotográfica Ashes & Snow

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Ashes and Snow, del artista canadiense Gregory Colbert, es una instalación compuesta por obras fotográficas, videos y una novela escrita en cartas, que viaja en el Museo Nómada (The Nomadic Museum), una estructura temporal construida únicamente para la exposición. Las obras exploran la sensibilidad poética que comparten los seres humanos y los animales. Ashes and Snow ha viajado a Venecia, Nueva York, Santa Mónica, Tokio, y la Ciudad de México. Ashes and Snow ha sido visitada por más de 10 millones de personas, lo que la convierte en la exposición de un artista vivo con mayor asistencia en la historia.

Codex Ashes & Snow
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+info: gregorycolbert.com

V Festival del Tambor y las Culturas Africanas

V Festival del Tambor y las Culturas Africanas (cartel modificado)

El Festival del Tambor y las Culturas Africanas es un proyecto independiente que a lo largo de cuatro años ha reunido a miles de personas al ritmo de alegre música y ha logrado difundir entre los habitantes de la capital del país las manifestaciones culturales de Nuestra Tercera Raíz, “La Africana”.

Esta cultura llego a nuestro pais y aun sigue muy presente en la música y nuestras tradiciones, principalmente de la Costa Chica de Oaxaca y Guerrero y en el estado de Veracruz.

La programación incluirá proyecciones de cine, exposiciones de fotografías, máscaras, vestuario y gastronomía; así como talleres de danza, conferencias y mesas redondas. También contará con la participación de grupos musicales y dancísticos de Brasil, Colombia, Honduras, Senegal y México.

Entre los grupos participantes figuran el conjunto Jajaburitigua (El alma de los negros), de Honduras; Te Haruru (Tahití), Batuque (Brasil), La tambora de Gilbert (Colombia), Kairaba (Senegal) y Yanga (México). «Ha llegado el momento de salir del anonimato y de exigir el reconocimiento público de los grandes aportes de África a la cultura de América», señaló César Rocher, director del conjunto musical hondureño Jajaburitigua.

El músico resaltó la necesidad de crear conciencia en las sociedades del continente americano sobre la presencia de la negritud en la historia y etnicidad física y cultural de los pueblos, «porque no es posible que dicha herencia sea negada u omitida como si no existiera o no fuera demasiado evidente».

El Quinto Festival del Tambor y las Culturas Africanas iniciará este 17 de febrero en el Jardín López Velarde, Av. Cuauhtémoc s/n entre Huatabampo y Antonio M. Anza, con la celebración del Día de la Hermandad Africana, donde habrá presentación de grupos artísticos, una pasarela de trajes africanos y una muestra gastronómica y artesanal de Africa, el Caribe y Latinoamérica.

En la clausura habrá un desfile de carnaval y una «pirámide de tambores» que partirá del Angel de la Independencia a la Alameda Central, de las 14:00 a las 18:00 horas, con la participación de los artistas.

De acuerdo con Rocher, el tambor para los africanos «es mucho más que un instrumento musical: es un medio de comunicación entre seres vivos, entre éstos y los muertos; un vínculo del hombre con lo sagrado, la naturaleza y el cosmos, y un arma de resistencia, un símbolo de la dignidad y el orgullo étnico de los negros».

Según estadísticas elaboradas por la Organización de las Naciones Unidas (ONU), en América existen 150 millones de negros y sólo 45 millones de indígenas, pero tal hecho pareciera no ser reconocido; «es como si los negros no existieramos», añadió Rocher durante la presentación del programa.

El festival será una oportunidad excelente para encontrarse por diversos espacios de la Ciudad de México con las expresiones culturales de África. Disfruta de todas sus actividades.

Stickers Invaders

Foto: lucapu / Flickr 

Los stickers han pasado de ser tan sólo una modalidad de gráfica informal y underground, a convertirse también en protagonistas de exposiciones en galerías de arte y objetos de diseño formal recurridos por diseñadores e ilustradores.

Desde hace algunos años, los stickers o adhesivos han pasado a ser parte importante de los elementos que conforman tanto al diseño como al arte urbano contemporáneo de varias metrópolis del planeta, encabezando la tendencia con los gráficos desarrollados por personalidades como Shepard Fairey (Obey Giant) o el artista inglés Banksy. En México, por supuesto no podía haber excepciones a este fenómeno, y es así como paulatinamente los stickers han pasado de ser tan sólo una modalidad de gráfica informal y underground, a convertirse también en protagonistas de exposiciones en galerías de arte y objetos de diseño formal recurridos por diseñadores e ilustradores para difundir su trabajo, e incluso en portadores de mensajes masivos de índole social y política empleados en campañas de todo tipo.

Destacables son algunos autores nacionales que han desarrollado e impulsado esta clase de gráficos a través de su arte, diseño e intervención urbana, como lo son Gerardo Yepiz, Acamonchi (Tijuana–San Diego), Une, Jet, Mrk (Ciudad de México) o la campaña anti-propaganda “Tú no existes”, autoría intelectual de Deyanira Torres y Pepe Rojo, y que en el 2001 aglutinó el trabajo de autores diversos como el Dr. Alderete, Bef, Mónica y Nacho Peón entre otros, que recorrió varias ciudades de la República Mexicana como Querétaro, Puebla y Torreón, hasta llegar a la línea fronteriza con Estados Unidos.

En internet destacan sitios como Ekosystem y Wooster Collective , los cuales documentan el desarrollo de esta clase de propuestas a través de galerías virtuales con variado contenido fotográfico de diversas ciudades, derivando también en publicaciones especializadas como “World signs” y “Garage magazine”.

Podría pensarse que la mayoría de los diseños que caracterizan a la gráfica adhesiva son en su mayoría todo menos serios, y que su objetivo principal recae en el atractivo visual más que en el desarrollo de alguna clase de concepto o idea concreta, pero no por ello dejan de ser interesantes. Por lo general, los adhesivos se retroalimentan a través de otros elementos como lo son el skateboarding, los urban vinyl toys, el low brow y el graffiti mismo, una amalgama de formas desarrolladas por gente con espíritu joven e inquieto en constante búsqueda de alternativas para expresarse y transmitir sus ideas de modo diferente a las consideradas convencionales.

Por otra parte es inevitable, y también lamentable, mencionar que existen otra clase de stickers de nula calidad estética y de fabricación, desarrollados por personas cuyo único objetivo es entretener su ocio y demostrar su absoluta falta de creatividad y talento, y cuyo abuso principal consiste en dedicarse a ensuciar aún más las zonas urbanas, dañando y destruyendo señalamientos viales, peatonales; lo mismo que semáforos y mobiliario urbano en general.

Razones obvias por las cuales estos medios visuales suelen ser vistos de modo despectivo e indiscriminado por muchas personas que los califican como no menos que gérmenes visuales. Aun pese a ello, los stickers continúan ganando atención pública en general, demostrando paulatinamente que sus posibilidades como medio de comunicación y expresión pueden ir más allá de las modas y el simple ocio, experimentando sobre nuevos campos estéticos y discursivos.

Actualmente en México existe un mayor acercamiento y una mayor interacción entre el diseño formal y otras disciplinas gráficas y visuales que hasta hace tiempo eran consideradas menores, derivando en resultados interesantes que exploran y renuevan posibilidades para el mismo. Si bien es cierto que existen amplios y ya establecidos criterios sobre los medios que consideramos como óptimos para el desarrollo del diseño, también es cierto que éste no se trata de una ecuación matemática con un mismo resultado establecido y que existen múltiples posibilidades a explorar. Quizás una de las lecciones más importantes que podemos aprender de esta clase de intercambios es el nunca dejar de experimentar, aprender y sobre todo sorprendernos.

Fuente: a¡ Diseño

The Nomadic Museum : : Gregory Colbert | Ashes and Snow

Vision

El 19 de Enero se abrió finalmente la exhibición Ashes and Snow de Gregory Colbert en la Plaza de la Constitución de la Ciudad de México (aka Zócalo). La exposición consta de mas de 50 fotografías de gran formato (impresas en plotter sobre papel de algodón), 60 minutos de video y dos cortos estilo haiku. En un espacio realmente impresionante: un inmenso auditorio construido en el centro de la Ciudad de México, con detalles en Bambú y estructuras tubulares, buscando la sensación de estar en un inmenso palacio oriental. El Museo Nómada fué diseñado por el arquitecto Simón Vélez, el primero de su clase. Los 5130 metros cuadrados de estructura, son compuestos por bambú y materiales reciclables. (no reciclados) Para demostrar la sustentabilidad y la innovación de la arquitectura.

Abierta desde:
10 de Enero – 27 de Abril / 2008
Lunes- Viernes 11:00 – 20:00
Sábados 10:00 – 20:00
Domingos y Festivos 10:00 – 20:00

Entrada Libre (gratis)

Elefantes

>>Galeria de imagenes<<

Exposición | Spencer Tunick antes del Zócalo

 El domingo 18 de Noviembre visité la exposición, a pesar de ser muy pequeña, vale la pena ir por apreciar las imagenes en formatos extensos. Ya que puedes ver con detalle las fotos. No lo digo por ver cuerpos desnudos. Yo que estuve como uno de los 20 mil cuerpos desnudos en el Zocalo, puedo decir que ahí se dejan de lado las diferencias de genero y de clase. Todos somos iguales en la desnudez. Invité a mis acompañantes a que miraran más allá, que se acercaran a cada rostro, donde cada individuo hacia algo para si. Me pregunté que pensarían. ¿Sería acaso la misma sensación de fraternidad, libertad e igualdad que tuve en la Plaza de la Constitución?

Experimenté la estética del arte, en su grandeza, en la sencillez del cuerpo desnudo y la barrera que la sociedad impone, transgredida por cientos de personas libres.

Los invitó a sentir, no dejen de ir a las exposiciones del Museo de la Ciudad y del MUCA.
Museo de la Ciudad de México
Pino Suárez 30, Col. Centro, C.P. 06010
Del 27 de Octubre al 27 de Noviembre de 2007
Entrada Libre solo los Miércoles.

El pasado 6 de mayo, el artista estadunidense Spencer Tunick (Middletown, Nueva York, 1967) realizó en el Zócalo capitalino lo que a la fecha es su instalación artística más concurrida: aproximadamente 18 mil personas se
desnudaron en un acto colectivo que, como lo atestiguaron tanto participantes, organizadores, autoridades y medios de comunicación, privilegió la naturalidad, la liberación, la belleza y el reconocimiento del cuerpo desnudo en una manifestación artística sin precedente en nuestro país.

El testimonio visual de ese acontecimiento se presenta en la exposición Tunick en el Zócalo. La muestra está integrada por 6 fotografías en gran formato, un fotomural y dos videos, uno realizado por Spencer Tunick y otro por TV UNAM, el cual incluye testimonios y entrevistas con algunos de los participantes.

Asimismo, se exhibe un Slide Show con imágenes de la llegada de los participantes, durante las primeras horas de la mañana, a la Plaza de la Constitución.

Mireya Escalante, representante de Spencer Tunick en México, señaló que a la par de la exposición en MUCA Campus se presentará una retrospectiva del artista en el Museo de la Ciudad de México, así como algunas publicaciones
testimoniales y fotográficas sobre el trabajo que Tunick realizó durante su visita a la Ciudad de México.