Adobe: Comunidad & Contradicción

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Cuarenta y ocho artistas de todo el mundo crean una representación única del logotipo de Adobe Creative Cloud.

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Para celebrar el lanzamiento 2014 de Creative Cloud, el equipo de diseño de Adobe tuvo la idea de expresar las ideas a veces contradictorias entre una conexión y la alteración, la individualidad y la comunidad. El equipo visualizó un mosaico de colaboración que reuniera a artistas de todo el mundo, en el que cada artista creara una pieza de un todo unificado.

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La inspiración de la pieza y pieza central era el logotipo de Adobe Creative Cloud, que encarna la contradicción: Sus remolinos suaves connotan flujo y continuidad, mientras que sus curvas rotas sugieren un descanso visual.

La creación del mosaico

El logotipo de Creative Cloud se cuadriculo en 48 secciones que serían piezas individuales de la nube del mosaico creativo.

Luego recurrieron Behance, la plataforma de Adobe para los creativos de todo tipo, de lo cuales seleccionó 48 artistas y pidió a cada uno de ellos contribuir.

De esta manera, dice el director de Adobe creativo ejecutivo AJ Joseph, la libertad creativa de cada artista varió de «Hey, tengo que trabajar con esta forma de círculo en la esquina derecha inferior [de mi sección]» a «puedo hacer lo que quiera».

El objetivo era crear algo «super valiente y natural» y «completamente integrado en la comunidad», explica AJ.

Pero, ¿qué lo que define a la «comunidad» cuando los colaboradores provienen de países y culturas diferentes?
Los artistas que firmaron en el proyecto incluyen un ilustrador vectorial, un títere animador fabricante / stop-motion, y tipógrafo. Sus inspiraciones van desde el art deco al diseño editorial y a la cultura japonesa y las criaturas submarinas.

Lo que comparten es un amor de expresión y experimentación.

Y tener un «fondo extraño» en el arte no le dolía tanto, de acuerdo con Orlando Arocena, un ilustrador con sede en Nueva York y uno de los artistas solicitado participar. Después de graduarse de Pratt, Orlando trabajó en las bellas artes tradicionales antes de «ir comercial» en 1998 Desde entonces, él ha utilizado su talento para inyectar vida en tabletas de HP y para acercar el arte-deco ish Estatua de la Libertad iconografía para el New York Auto Show, entre otros proyectos. (Ver más acerca de la obra de Orlando .)

Orlando dice que su obra se inspira en dos fuentes principales: la historia del arte y la cultura pop. «Al igual que la impresión en madera japonés o arte callejero de los últimos años mezclados y fundido en diferentes movimientos», explica. «La gente tiende a pensar que es sólo puramente de arte deco, pero es una mezcla, un jambalaya picante.»

Dice AJ, «Queríamos asegurarnos de que teníamos una amplia gama de diferentes estilos-y buscamos a personas que estaban empujando la aguja.»

PHOTOSHOP NO SE REQUIERE EXPERIENCIA

Otro contribuyente Mosaico se sintió escultor y camarógrafo Hine Mizushima, natural de Japón, que ahora vive en Vancouver, Canadá, y que ha trabajado en proyectos de vídeo con el grupo de rock alternativo They Might Be Giants. Hine caracteriza su obra como «un poco retro, torcido, divertido, nerdy, y linda, pero de dudoso gusto,» y su inspiración proviene de «cultura retro japonés y criaturas como los calamares, pulpos, babosas, setas, y así sucesivamente.» (Ver más acerca de la obra de Hine .)

Ella aceptó de buen grado el desafío de crear una ficha para el proyecto Mosaico, aunque se preguntó por qué se eligió porque su trabajo es principalmente artesanal y analógica-y le preocupaba que ella utilizó Adobe Illustrator y Photoshop sólo a nivel de principiante. «Yo era una persona tiene miedo de Adobe se daría cuenta», dice. Pero ella dio la bienvenida a la oportunidad de ser «parte de un proyecto de colaboración con otros grandes artistas de todo el mundo, y que era una gran oportunidad de haber visto mi trabajo de muchas personas creativas en el evento de lanzamiento . »

Al igual que todos los artistas del mosaico, Hine se le dio un plazo ajustado.

«Yo tenía sólo una semana para crear y fotografiar mi pieza», dice Hine. «Yo podría hacer lo que quisiera, pero yo no tenía tiempo suficiente para hacer una nueva criatura, así que utiliza un calamar blanco que ya había hecho. Y he hecho algunos nuevos accesorios y el fondo. Normalmente suelo hacer sólo unos pocos bocetos antes de empezar fieltro de aguja, pero para este proyecto, doodled mucho, porque no había una disposición forma un tanto complicado en mi azulejo. Era difícil, como me pongo mi calamar en la forma «.

EL RETO DE LA LIBERTAD TOTAL DE ARTÍSTICO

Craig Ward, un ilustrador, tipógrafo, director de arte, autor, y el británico que reside en Nueva York, también diseñó un azulejo. La inspiración de Craig se deriva «de todas partes», pero específicamente de la tipografía y las imágenes que se «quizás haciendo algo que no debería estar haciendo.», Explica, «Así que rota, el parpadeo letreros de neón o cuando los carteles han sido mal impresa, o cuando han sido derribado, o la tinta se ha agotado, o un periódico ha pasado por la impresora con una página arrugada. Me gustan los accidentes-y me gusta explotar accidentes. «(Vea más de la obra de Craig .)

Su mayor reto con el proyecto Mosaico fue la creación de un azulejo con casi ninguna dirección. «Una breve abierta es el mejor y el peor breve», dice Craig, «porque puede inspirar o puede paralizar.»

Craig pidió una ficha que contenía una curva logo, ya que, para él, trabajar con un panel en blanco habría sido una lucha. «Yo realmente no tengo un estilo predefinido, y yo no tengo un go-to cosa que puedo llenar el espacio con. Algunos ilustradores tener un cierto trazo de pincel que usan siempre o cierto acuarela, o tienen dos texturas que siempre pueden volver. No tengo nada de eso en mi bolsillo, así que pedí algo que me requeriría para pintar marcas que definirían el espacio. »

«El mosaico es definitivamente emocionante», dice Craig. «Es, definitivamente, vale la pena, que es lo más que puede esperar en su trabajo. Es bueno traer a tantas personas en la industria, porque todo el mundo siempre consigue así que alcanzó en los estilos, y la gente en la industria tienden a proteger sus ideas, y la gente puede conseguir tímido sobre compartir su trabajo a veces y trabajar con otras personas, sobre todo en diseño y la ilustración, donde todo el mundo es más o menos un estudio de uno. Ya sabes, todas esas personas que trabajan solos en estos silos. Así que no es a menudo que tienes la oportunidad de conseguir tu trabajo al lado de todas estas otras personas al mismo tiempo. … Toda la experiencia fue una locura y sorprendente. »

Hine fue trasladado igualmente al ver la presentación de la pieza terminada. «Había un gran grupo de mi trabajo en la pared exterior del Lincoln Center de Nueva York. Yo estaba tan sorprendido! Era más de lo que esperaba «.

LA IMPORTANCIA DE LA INSPIRACIÓN

AJ de Adobe resume la importancia de la obra, no sólo como líder del proyecto, sino también como artista gráfico: «La pieza es inspirador porque hay tanto detalle y hay tanta historia en cada uno de estos [obras] -y no es tan mucha experiencia en cada una de ellas. Si usted va a una galería, y ves cinco o seis artistas diferentes, se puede sentir su experiencia y lo que están tratando de comunicarse a través de sus obras de arte. Y esto era como poner 48 de los mejores artistas juntos de un montón de diferentes disciplinas y sólo tener una galería de ser parte de una sola imagen. Es sólo una increíble obra de arte. Cómo llegar a ser capaz de experimentar todo esto al mismo tiempo es inspirador «.

+info: inspire.adobe.com